Noticia:
Un total de 592 esculturas fenicias del templo de Echmún, robadas en 1981, circulan en los mercados europeos de antigüedad, denuncia hoy el periódico libanés l`Orient-Le Jour.
De estas piezas, sólo ocho han podido ser recuperadas gracias al especialista Rolf Stucky, ex director del Instituto de Arqueología Clásica de Basilea.
"El Líbano no ha sido favorecido: no tiene petróleo, pocas ideas, prácticamente tampoco recursos naturales, sólo tiene el dinamismo de los libaneses y su herencia", afirma el diario.
Pero esa herencia, agrega, ha sido "robada, saqueada y sembrada por los cuatro vientos".
El periódico indica que las estatuas de Echmún, templo situado cerca de la ciudad sureña de Sidón, son inestimables y se pregunta quién puede ser responsable de este tráfico ilegal.
Los primeros rastros de dicho templo, construido encima de una fuente de agua en honor del dios curador Echmún, datan del siglo VII a.C. y fue construido en varias etapas.
Está considerado como el santuario fenicio mas espléndido del primer milenario y el mejor conservado.
Las estatuas que contenía representaban niños desnudos, de uno a cinco anos, en cuclillas, además de dos niñas.
Ahora no quedan más que fragmentos del templo, ya que este fue desmantelado de modo progresivo durante las guerras del Líbano, la invasión israelí del 2006 y la mano del hombre, que ha desvalijado gran parte de ese monumento, denuncia el diario.
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viernes, 4 de diciembre de 2009
viernes, 13 de noviembre de 2009
Italia inaugura museo de arte contemporáneo.
Noticia:
Italia inaugurará el sábado su primer museo de arte y arquitectura contemporáneos, indicando que quiere superar su imagen de mero guardián de un pasado artístico glorioso.
El Museo MAXXI, construido a un costo de 150 millones de euros (223 millones de dólares) será inaugurado el sábado en lo que era un cuartel militar en la zona residencial de Roma.
Fue diseñado por Zaha Hadid, la arquitecta iraní que fue en 2004 la primera mujer ganadora del prestigioso premio Pritzker.
El director de la fundación del museo, Pio Baldi, dijo que el ministerio de Cultura decidió construir el museo al reconocer que el país de Giotto, Miguel Angel, Leonardo y Bernini _la vanguardia de su época_ debe promover la creatividad contemporánea si quiere dejarle un legado cultural al futuro.
Italia inaugurará el sábado su primer museo de arte y arquitectura contemporáneos, indicando que quiere superar su imagen de mero guardián de un pasado artístico glorioso.
El Museo MAXXI, construido a un costo de 150 millones de euros (223 millones de dólares) será inaugurado el sábado en lo que era un cuartel militar en la zona residencial de Roma.
Fue diseñado por Zaha Hadid, la arquitecta iraní que fue en 2004 la primera mujer ganadora del prestigioso premio Pritzker.
El director de la fundación del museo, Pio Baldi, dijo que el ministerio de Cultura decidió construir el museo al reconocer que el país de Giotto, Miguel Angel, Leonardo y Bernini _la vanguardia de su época_ debe promover la creatividad contemporánea si quiere dejarle un legado cultural al futuro.
Litografía de Munch es sustraída de galería de Oslo.
Noticia:
La litografía "Historia", una obra del pintor noruego Edvard Munch, ha sido robada de una galería del centro de Oslo, informó la Policía.
Los ladrones rompieron anoche la ventana de la galería Nyborg Kunst, accedieron a su interior por el agujero y sólo se llevaron esa obra, para huir pocos minutos después en un vehículo robado de color blanco que fue encontrado horas más tarde y ahora está siendo examinado por los investigadores.
Los hechos fueron presenciados por varios testigos, que están siendo interrogados por la Policía.
"Se trata de un valioso cuadro, una impresión única coloreada a mano. Parece que no se han llevado otra cosa, es como si supieran a lo que venían", declaró hoy a la radio pública NRK el responsable de la galería, Pascal Nyborg, cuya familia ha tenido en propiedad la obra desde hace décadas y que contaba con un comprador.
Nyborg calcula el valor de la litografía en unos 2 millones de coronas noruegas (unos 240 mil euros).
Datada entre 1914 y 1916, "Historia" es una litografía con el mismo motivo que otra obra que cuelga de las paredes de la Universidad de Oslo.
No se trata del único cuadro del pintor expresionista robado en los últimos años en Noruega: el 22 de agosto de 2004, dos enmascarados penetraron en el Museo Munch, en el centro de Oslo, en pleno día y amenazaron con una pistola a los guardas y a los visitantes para llevarse "El grito" y "La Madonna".
La Policía noruega recuperó las obras dos años después, aunque con daños irreparables, en una operación desarrollada en los alrededores de la capital.
La litografía "Historia", una obra del pintor noruego Edvard Munch, ha sido robada de una galería del centro de Oslo, informó la Policía.
Los ladrones rompieron anoche la ventana de la galería Nyborg Kunst, accedieron a su interior por el agujero y sólo se llevaron esa obra, para huir pocos minutos después en un vehículo robado de color blanco que fue encontrado horas más tarde y ahora está siendo examinado por los investigadores.
Los hechos fueron presenciados por varios testigos, que están siendo interrogados por la Policía.
"Se trata de un valioso cuadro, una impresión única coloreada a mano. Parece que no se han llevado otra cosa, es como si supieran a lo que venían", declaró hoy a la radio pública NRK el responsable de la galería, Pascal Nyborg, cuya familia ha tenido en propiedad la obra desde hace décadas y que contaba con un comprador.
Nyborg calcula el valor de la litografía en unos 2 millones de coronas noruegas (unos 240 mil euros).
Datada entre 1914 y 1916, "Historia" es una litografía con el mismo motivo que otra obra que cuelga de las paredes de la Universidad de Oslo.
No se trata del único cuadro del pintor expresionista robado en los últimos años en Noruega: el 22 de agosto de 2004, dos enmascarados penetraron en el Museo Munch, en el centro de Oslo, en pleno día y amenazaron con una pistola a los guardas y a los visitantes para llevarse "El grito" y "La Madonna".
La Policía noruega recuperó las obras dos años después, aunque con daños irreparables, en una operación desarrollada en los alrededores de la capital.
domingo, 15 de febrero de 2009
La excitante geometría rusa.
Noticia:
Diagonales y círculos dominan la exposición que la Tate Modern de Londres dedica a partir del jueves y hasta el 17 de mayo a dos destacadas figuras del constructivismo ruso: Alexandr Rodchenko (1891-1956) y Liubov Popova (1889-1924).
Los años que siguieron a la Revolución Rusa (1917) se caracterizaron por un extraordinario dinamismo y una fe utópica en la capacidad del hombre para transformar la vida, la sociedad y al arte desde las raíces.
Rodchenko y Popova sufrieron la influencia de dos grandes de la abstracción geométrica: Kasimir Malevich, que liberó al arte del “peso muerto” de la realidad y Vladimir Tatlin, igualmente radical en sus construcciones tridimensionales hechas con ensamblajes de materiales diversos.
El artista era para Popova y Rodchenko una especie de ingeniero, que aplica sus materiales con la objetividad de un científico: de ahí que sustituyeran el concepto de “composición”, con su componente subjetivo, por el de “construcción”, método mucho más impersonal y despojado de cualquier elemento decorativo o superfluo.
Resulta interesante el diálogo que Rodchenko establece en algunas de las obras expuestas —por ejemplo en la Abstracción de 1920 o en su Composición número 11— con otra de las grandes influencias de los constructivistas: Wassily Kandinsky.
Mezcla de realidad
Rodchenko empezó a investigar la línea como único componente esencial de la obra de arte al considerar el color, el tono, textura y superficie como mera decoración o técnicas válidas únicamente para imitar el mundo de los objetos reales.
Como señala la comisaria de la exposición londinense, Margarita Tupitsyn, en determinado momento ambos artistas renunciaron a la pintura, posición que dieron a conocer organizando en Moscú en 1921 una exposición titulada 5X5=25 (con otros tres artistas: Varvara Stepanova, Alexander Vesnin y Alexandra Exter), que debía ser la transición desde ese medio tradicional a otros como el diseño gráfico, la moda, el teatro, la fotografía y el cinematógrafo.
De esa exposición data el gesto más iconoclasta de Rodchenko, su tríptico monocromo que el artista describió así: “Llevé a la pintura a su conclusión lógica al exhibir tres lienzos —rojo, azul y amarillo... Colores básicos. Cada plano es un plano y ya no habrá más representación”.
En uno de los vivos debates organizados con aquel motivo, el crítico Osip Brik propuso que, una vez rechazada para siempre la pintura de caballete, lo que debían hacer los artistas era dedicarse a la producción industrial.
Reunión de talentos
En 1921, Rodchenko se alió con el poeta futurista Vladimir Mayakovsky y, en el marco de la Nueva Política Económica de Lenin, que permitió a la empresa privada operar a escala limitada, comenzó a realizar trabajos publicitarios.
Rodchenko y Popova abandonaron sus estudios y participaron en la reorganización de la vida cotidiana y los espacios públicos, contribuyendo a una gran variedad de proyectos que van desde el diseño de textiles y vestidos para la producción masiva hasta los decorados y figurines para el teatro.
Uno y otro diseñaron además modelos de muebles, lámparas e incluso quioscos de prensa. En el caso de Rodchenko, la Tate ha recreado su Club de Trabajadores para la Exposición Internacional de Industrias Decorativas e Industria Moderna (París 1925).
La última parte de la exposición de la Tate documenta la dedicación de Rodchenko a la fotografía: sus imágenes más icónicas, —caracterizadas por sus inusuales ángulos de visión figuran en todas las antologías de ese medio— y su uso innovador de las luces y la sombras influyó en el cineasta Serguéi Eisenstein.
Rodchenko fue también responsable de los títulos de crédito de los documentales Kino-Pravda (Cine-Verdad), de su compatriota Dziga Vertov, así como de la dirección artística del filme Moscú en Octubre (1927), de Boris Barnet, que se proyectan durante la exposición.
Comentario:
Para los amantes del arte.
Diagonales y círculos dominan la exposición que la Tate Modern de Londres dedica a partir del jueves y hasta el 17 de mayo a dos destacadas figuras del constructivismo ruso: Alexandr Rodchenko (1891-1956) y Liubov Popova (1889-1924).
Los años que siguieron a la Revolución Rusa (1917) se caracterizaron por un extraordinario dinamismo y una fe utópica en la capacidad del hombre para transformar la vida, la sociedad y al arte desde las raíces.
Rodchenko y Popova sufrieron la influencia de dos grandes de la abstracción geométrica: Kasimir Malevich, que liberó al arte del “peso muerto” de la realidad y Vladimir Tatlin, igualmente radical en sus construcciones tridimensionales hechas con ensamblajes de materiales diversos.
El artista era para Popova y Rodchenko una especie de ingeniero, que aplica sus materiales con la objetividad de un científico: de ahí que sustituyeran el concepto de “composición”, con su componente subjetivo, por el de “construcción”, método mucho más impersonal y despojado de cualquier elemento decorativo o superfluo.
Resulta interesante el diálogo que Rodchenko establece en algunas de las obras expuestas —por ejemplo en la Abstracción de 1920 o en su Composición número 11— con otra de las grandes influencias de los constructivistas: Wassily Kandinsky.
Mezcla de realidad
Rodchenko empezó a investigar la línea como único componente esencial de la obra de arte al considerar el color, el tono, textura y superficie como mera decoración o técnicas válidas únicamente para imitar el mundo de los objetos reales.
Como señala la comisaria de la exposición londinense, Margarita Tupitsyn, en determinado momento ambos artistas renunciaron a la pintura, posición que dieron a conocer organizando en Moscú en 1921 una exposición titulada 5X5=25 (con otros tres artistas: Varvara Stepanova, Alexander Vesnin y Alexandra Exter), que debía ser la transición desde ese medio tradicional a otros como el diseño gráfico, la moda, el teatro, la fotografía y el cinematógrafo.
De esa exposición data el gesto más iconoclasta de Rodchenko, su tríptico monocromo que el artista describió así: “Llevé a la pintura a su conclusión lógica al exhibir tres lienzos —rojo, azul y amarillo... Colores básicos. Cada plano es un plano y ya no habrá más representación”.
En uno de los vivos debates organizados con aquel motivo, el crítico Osip Brik propuso que, una vez rechazada para siempre la pintura de caballete, lo que debían hacer los artistas era dedicarse a la producción industrial.
Reunión de talentos
En 1921, Rodchenko se alió con el poeta futurista Vladimir Mayakovsky y, en el marco de la Nueva Política Económica de Lenin, que permitió a la empresa privada operar a escala limitada, comenzó a realizar trabajos publicitarios.
Rodchenko y Popova abandonaron sus estudios y participaron en la reorganización de la vida cotidiana y los espacios públicos, contribuyendo a una gran variedad de proyectos que van desde el diseño de textiles y vestidos para la producción masiva hasta los decorados y figurines para el teatro.
Uno y otro diseñaron además modelos de muebles, lámparas e incluso quioscos de prensa. En el caso de Rodchenko, la Tate ha recreado su Club de Trabajadores para la Exposición Internacional de Industrias Decorativas e Industria Moderna (París 1925).
La última parte de la exposición de la Tate documenta la dedicación de Rodchenko a la fotografía: sus imágenes más icónicas, —caracterizadas por sus inusuales ángulos de visión figuran en todas las antologías de ese medio— y su uso innovador de las luces y la sombras influyó en el cineasta Serguéi Eisenstein.
Rodchenko fue también responsable de los títulos de crédito de los documentales Kino-Pravda (Cine-Verdad), de su compatriota Dziga Vertov, así como de la dirección artística del filme Moscú en Octubre (1927), de Boris Barnet, que se proyectan durante la exposición.
Comentario:
Para los amantes del arte.
viernes, 19 de septiembre de 2008
Relega educación enseñanza de arte.
Noticia:
El arte es una actividad marginal en la vida del 99 por ciento de las personas. Vivimos con el arte, pero de espaldas a él, es decir, todos tenemos cuadros que decoran nuestras paredes, pero las artes no forman parte de las preocupaciones de nuestra vida.
Habla el investigador y teórico español Imanol Aguirre, quien atribuye a este factor la negación de las instituciones educativas para desarrollar un modelo de educación artística a nivel primaria y secundaria.
Aguirre, quien dictará hoy la conferencia magistral “La educación artística en tiempos de cambio”, invitado por ConArte, lamenta además que mucha gente considere al arte como una actividad ociosa, que económicamente no es rentable.
“Cuando la escuela adquiere como horizonte o como objetivo formar personas para que cursen una carrera que dé lugar o que apoye al desarrollo de un país, ahí no caben las artes”, agrega.
Imanol Aguirre, quien trabaja en la Universidad de Navarra en la formación de profesores, promueve un tipo de educación artística que no es para erigir profesionales, sino sujetos, personas libres, con criterio, con capacidad de vivir en un mundo cambiante, en el que los valores se están transformando constantemente.
“La educación artística debe ser tratada como una disciplina, como un ámbito de conocimiento, en el que lo importante es extraer de las artes aquello que tienen de experiencia humana, más que información.
“Tengo la foto de una manifestación en la que llevan una pancarta que alude a ‘La rendición de Breda’ de Velázquez, con la leyenda: ‘España no se rinde’. Cómo se lee eso, qué significa, el arte lo que hace es poner en términos simbólicos aspectos de nuestra subjetividad personal y colectiva, en ese sentido podemos utilizar esos recursos para hablar de nosotros, de lo que nos ocupa, ahí es donde el arte tiene valor educativo”.
Desde su experiencia en la educación artística, Aguirre apunta que son pocos los países con un modelo exitoso. “Ni siquiera Estados Unidos es un modelo a seguir, aunque hay experiencias puntuales como la de ConArte en México, o algunos programas desarrollados en Uruguay y Colombia”.
Sin embargo, el especialista apunta que los países más avanzados en esta experiencia son Finlandia y Australia, que encabezan los resultados de la OCDE en el famoso informe Pisa, que marca la agenda educativa para muchas naciones.
“El país que más atención dedica a la educación artística, que con más interés forma a sus ciudadanos dentro de este modelo, el que mejores resultados obtiene en las matemáticas y en la resolución de problemas, es Finlandia.
Mientras que “en España, si vamos mal en matemáticas, pues más clases de matemáticas, es uno de los grandes errores. Hay formas de educación artística que son improductivas, desde el punto de vista económico y formativo, no basta con aprenderse de memoria los estilos artísticos”.
Aguirre, cuenta que hay argumentos de rentabilidad que están abogando por la educación artística. “Por ejemplo, en Inglaterra, hay organismos institucionales, dependientes del Ministerio, que están poniendo en marcha programas de creatividad porque entienden que la formación de sus técnicos y profesionales, para que sean competitivos, tienen que ser personas creativas, capaces de innovar, porque la innovación es uno de los grandes motores de las economías capitalistas, y les resulta muy rentable”.
Comentario:
¿Tendrá algo que ver el arte con la pérdida de valores que hay en nuestra sociedad?
El arte es una actividad marginal en la vida del 99 por ciento de las personas. Vivimos con el arte, pero de espaldas a él, es decir, todos tenemos cuadros que decoran nuestras paredes, pero las artes no forman parte de las preocupaciones de nuestra vida.
Habla el investigador y teórico español Imanol Aguirre, quien atribuye a este factor la negación de las instituciones educativas para desarrollar un modelo de educación artística a nivel primaria y secundaria.
Aguirre, quien dictará hoy la conferencia magistral “La educación artística en tiempos de cambio”, invitado por ConArte, lamenta además que mucha gente considere al arte como una actividad ociosa, que económicamente no es rentable.
“Cuando la escuela adquiere como horizonte o como objetivo formar personas para que cursen una carrera que dé lugar o que apoye al desarrollo de un país, ahí no caben las artes”, agrega.
Imanol Aguirre, quien trabaja en la Universidad de Navarra en la formación de profesores, promueve un tipo de educación artística que no es para erigir profesionales, sino sujetos, personas libres, con criterio, con capacidad de vivir en un mundo cambiante, en el que los valores se están transformando constantemente.
“La educación artística debe ser tratada como una disciplina, como un ámbito de conocimiento, en el que lo importante es extraer de las artes aquello que tienen de experiencia humana, más que información.
“Tengo la foto de una manifestación en la que llevan una pancarta que alude a ‘La rendición de Breda’ de Velázquez, con la leyenda: ‘España no se rinde’. Cómo se lee eso, qué significa, el arte lo que hace es poner en términos simbólicos aspectos de nuestra subjetividad personal y colectiva, en ese sentido podemos utilizar esos recursos para hablar de nosotros, de lo que nos ocupa, ahí es donde el arte tiene valor educativo”.
Desde su experiencia en la educación artística, Aguirre apunta que son pocos los países con un modelo exitoso. “Ni siquiera Estados Unidos es un modelo a seguir, aunque hay experiencias puntuales como la de ConArte en México, o algunos programas desarrollados en Uruguay y Colombia”.
Sin embargo, el especialista apunta que los países más avanzados en esta experiencia son Finlandia y Australia, que encabezan los resultados de la OCDE en el famoso informe Pisa, que marca la agenda educativa para muchas naciones.
“El país que más atención dedica a la educación artística, que con más interés forma a sus ciudadanos dentro de este modelo, el que mejores resultados obtiene en las matemáticas y en la resolución de problemas, es Finlandia.
Mientras que “en España, si vamos mal en matemáticas, pues más clases de matemáticas, es uno de los grandes errores. Hay formas de educación artística que son improductivas, desde el punto de vista económico y formativo, no basta con aprenderse de memoria los estilos artísticos”.
Aguirre, cuenta que hay argumentos de rentabilidad que están abogando por la educación artística. “Por ejemplo, en Inglaterra, hay organismos institucionales, dependientes del Ministerio, que están poniendo en marcha programas de creatividad porque entienden que la formación de sus técnicos y profesionales, para que sean competitivos, tienen que ser personas creativas, capaces de innovar, porque la innovación es uno de los grandes motores de las economías capitalistas, y les resulta muy rentable”.
Comentario:
¿Tendrá algo que ver el arte con la pérdida de valores que hay en nuestra sociedad?
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